Aurora Boreal-Escultura (Proyecto Final)

AURORA BOREAL- Escultura

El proyecto final consistió en colocar la escultura previamente hecha durante el tema de la sección aúrea en un paisaje natural y hacer de esta el centro de atracción de esta zona elegida.

Se debería de considerar tres puntos principales:

Relación paisaje - escultura

Aproximación humano - escultura

Interacción con la escultura

Esta es una breve descripción de mi proyecto.

Ubicación: Nos encontramos en un bosque conífero nevado, rodeado de montañas y con un lago en la zona. El lugar es frío durante todo el año, con nieve durante el invierno.

La escultura se encuentra en el punto medio entre las tres zonas del paisaje: montaña, lago, valle. De esta manera se pueden crear distintas rutas de acceso para llegar a la escultura. Cada camino es una experiencia distinta pues los elementos en el trayectos son diferentes.

¿Por qué este paisaje? La escultura está compuesta por formas rectas de tonalidades de la gama del magenta junto con los colores blanco y negro. Es por esto que elegí este paisaje pues esta gama resalta perfectamente sobre el blanco de manera armoniosa.

Aproximación Humano-Escultura: A la zona se llegará a través de una calle secundaria que llega a un área de desacanso alejada de la escultura.

Habrá tres rutas de acceso:

Montaña: Por medio de escalada, comenzando por el otro lado de la montaña. El camino es definido por cuarzos y amatistas que entre más cerca a la escultura, más oscuros se tornan.

Lago: Se puede cruzar a través de balsas cuando el lago está adecuado. Si está congelado está la opción del camino alrededor de éste a través de un camino de madera.

Valle: Este acceso es muy interesante, el camino está trazado por rocas de diferente tamaño y los cuarzos y amatistas que de igual manera que se presentan en el recorrido de la montaña, se van tornando más oscuros entre más cerca se encuentra el visitante de la escultura. No habrá sólo un camino, si no varios para hacer este acceso más interesante.

Interacción: El concepto es que la escultura se vea introducida en la naturaleza para que entre los árboles y nieve sobresalga como única intervención humana. La escultura a apareciendo a través del camino gracias a los trozos, pero a pesar de eso, el impacto al llegar es grande pues se encuentra en una explanada libre de árboles donde se le puede apreciar su tamaño, forma y belleza. La escultura está diseñada de tal manera que con la luz, ya sea solar o artificial, proyectará sobre la nieve un conjunto de reflejos que simularán la aurora boreal.

Tensegrity

Tensegrity

De las palabras "tensional integrity" (integridad tensional). se refiere a la integridad de las estructuras que se basan en una sinergía entre el equilibrio de la tensión y la compresión.

El término "tensegrity" fue explorado por el artista Kenneth Snelson para producir esculturas como su Needle Tower de 18 metros de altura en 1968. El término "tensegrity" fue acuñado para Snelson por Buckminster Fuller. Fuller es mejor conocido por sus cópulas geodésicas que elaboró basándose en los conceptos explicados y demostrados por Snelson a través de sus esculturas.

El término "Synergetics" puede referirse de manera más abstracta a la sinergia de los sitemas de fuerzas contrastantes.

Tensegrity es la fuerza exhibida que resulta cuando "jalar y empujar tienen una relación ganar-ganar entre ellos". La tensión es continua y la compresión discontinua.

Fuller explicó que estos fenómenos fundamentales no era opuestos, si no complementos que se podían encontrar siempre juntos.

Tensegrity es el nombre para una sinergia entre pares coexistentes de leyes físicas fundamentales; de jalar-empujar, compresión y tensión, o repulsión y atracción.

Este ejercicio consistió en realizar un tensegrity a partir de palitos de madera e hilo de pescar. Con un total de 10 palitos partiendo de tres puntos se debía lograr una forma que representara el concepto de ascensión.
Sobre una base de madera se colocaron tres armellas que serían los puntos donde se amarraría el hilo de caña que tensionaría cada palito.

Los palitos no se debían tocar entre sí ni los hilos de caña.

Sólo estaba permitido tener un palito que tuviera contacto con la base.

También fue requisito pintar los palitos de colores, preferentemente de una gama.

Mi experiencia fue que al principio el ejercicio no se veía tan difícil, pues colocar los primeros dos palitos no creó gran dificultad. Más adelante fue cuando se complicó el proceso, pues lograr que los palitos se detuvieran, crearan armonía de acuerdo al diseño planeado, no se tocaran los hilos ni los palitos ni entre ellos, fue más difícil de lo pensado.

Al final llegue con un resultado de mi agrado, pues la gama de colores ha pasado a ser una característica de mis trabajos, el concepto de ascensión se logró pues la forma de mi tensegrity es una elevación de los palitos en forma diagonal, partiendo casi de la base hasta ir subiendo poco a poco. Empezando con una dirección de estos hacia abajo, mientras subían estos se iban acomodando cada vez más de manera vertical. En cuanto a la colocación de los colores, no quise ser tan predecible y en vez de ubicar los más oscuros al principio y los claros en el punto más alto, no cree un orden en este aspecto logrando así algo más improvisado e inesperado, un mayor contraste en los colores.

La actividad fue un ejercicio interesante con un buen resultado.

Tensión y compresión en una estructura

Vista Frontal

Zoom

Vista a 3/4

Vista superior

Tensión y compresión en una estructura

Este ejercicio, mejor conocido como "la torre de spaguetti", consiste en eso mismo, diseñar una torre a base de spaguetti no. 5 que considerando los principios de resistencia, soporte el peso de tres bloques de concreto. Como requisitos, la torre debe medir 30 cm. de altura y contar con un diametro de 10 cm. El número de pisos así como el diseño es libre al gusto del alumno, siempre y cuando se termine teniendo una estructura estética, pues es parte de la calificación, así como su resistencia a los tres pedazos de banqueta.

Esta actividad requirió la búsqueda de principios de resistencia. Lo que encontré fue que entre mayor número de puntos en la base, y en sí en toda la torre, ésta puede soportar más peso. El número de pisos también ayuda, pues entre más sean estos, es más fuerte. El incluir diagonales en la estructura es casi fundamental, pues el peso se distribuye en éstas y no se concentra en sólo algunas verticales.

Mi resultado final fue una torre de 6 pisos, con bases octagonales y en forma de estrella de 8 picos, alternándose éstas piso a piso. Incluí diagonales tanto en la parte exterior de la torre como en su interior, éstas siendo como piramides sobrepuestas invertidamente a lo largo de los pisos. Como parte del diseño también incluí algunos triángulos dentro de las diagonales exteriores de cada planta.

Esta torre soportó tres bloques de concreto, desplomándose a los segundos de poner el tercero.

Fue un ejercicio interesante pues aprendimos que no era necesario saturar la torre de spaguetti para que ésta tuviera resistencia, era más importante el diseño y la distribución del peso que la cantidad de material utilizado.

Alternativas de la forma y el color; descomposición y armonía

El cubo formado por tres piezas.

Vista superior de la escultura formada por las tres piezas del cubo.

Vista frontal.

Vista lateral izquierda.

Vista posterior.

Vista lateral derecha.


Vista inferior.

Escultura formada por las piezas del cubo.


Alternativas de la forma y el color; descomposición y armonía

Esta actividad requirió de la creatividad y paciencia de nosotros. Se comenzó por comprender el concepto de la sección aúrea, pues fue la clave para realizar este ejercicio. Después de analizar "la divina proporción" tuvimos que aplicarla a nuestros primeros tres cubos de unicel. Tuvimos que dividirlos en 20 piezas o más para después unirlas a nuestro gusto hasta formar sólo tres piezas que al unirlas formaran el cubo inicial. Al tener nuestros tres "borradores" escogimos uno para hacerlo ahora en papel batería con más dedicación y exactitud. El proceso de elaboración fue algo complicado pues el resultado debía embonar perfectamente para formar el cubo de 10 x 10 cm. Una vez formadas las piezas debían colocarse de cierta manera y según el gusto y creatividad del alumno para formar una escultura. Los colores fueron también seleccionados por cada alumno con el propósito de crear una armonía según la escultura formada y que fuera coherente con el concepto que se quisiera dar.

En mi experiencia fue complicado lograr que se embonaran las piezas pues eran algo complicadas de hacer por la forma que tenían. La escultura tiene el propósito de localizarse en un centro comercial y el tamaño está diseñado para que las personas puedan pasar debajo de ella, por lo que sí es algo grande. El proceso de elección de colores fue lo que más me gustó. Escogí 7 colores, 5 de la gama del magenta junto con el blanco y el negro para crear contraste con los primeros. Las caras las pinte como si la luz pegara en diagonal a la escultura, por lo que dos caras son más claras y dos más oscuras. La vista superior es mucho más clara mientras que en la inferior predominan los colores más oscuros de la gama y el negro. Como resultado final tenemos la flexibilidad de mantener el trabajo en forma de cubo o en la escultura formada.

Cubo de Hickethier

Cubo de Hickethier

Este ejercicio se basó en el cubo de Hickethier, el cual se utiliza para entender las dimensiones del color. La actividad consistió en elaborar una retícula isométrica (a 90º y 45º) sobre las tres tablas de fibracel pintandas de negro. Se elaboró varias gamas de colores como prueba para después elegir una para hacer el ejercicio. De mi parte realicé las gamas con los colores turqueza y magenta. Al final me decidí por el color magenta pues pensé que era el que mejor contrastaba con el color negro en todas sus gamas, pues el turqueza al combinarse con negro resultaba muy opaco para este ejercicio. Sobre la retícula se debía de experimentar ilusiones ópticas a partir de la aplicación de distintas saturaciones de color. Jugando con los distintos tonos se debía de crear una figura que se percibiera como en tercera dimensión al juntar las tres tablas de fabricel.

Mi trabajo, hecho con el color magenta como antes lo mencioné, fue pintado con pinturas acrílicas de tal manera que se creara la ilusión de un movimiento rotatorio circular con el emsamble de las tres caras las cuales son simétricas. Es por eso que se tiene en cada tabla una línea recta y una en diagonal a partir de la esquina que forma el vértice. Como efecto añadido se tiene la línea alrededor en forma de zig-zag que con el juego de tonos da la apariencia de que se mueve hacia afuera y hacia adentro. Con esto se cumple el objetivo de crear una sensación óptica al ver el trabajo.

Como experiencia siento que mi trabajo tuvo un concepto algo distinto al de los demás pues los otros trabajos ya tenía figuras que se visualizaban como en tercera dimensión en cada cara, mientras que el mío se lograba el efecto sólo al juntarse las tres tablas. De la misma manera como conclusión establezco que esta ha sido una de las actividades más interesantes de la clase hasta el momento pues se llegó con trabajos muy interesantes y se pudo apreciar la individualidad de cada alumno pues hubo conceptos muy originales en este ejercicio.

Escultura: El Nacimiento de una Decisión

El Nacimiento de una Desición

Este ejercicio esta basado en el tema del Círculo Cromático de Itten, con sus 18 subdivisiones en el anillo exterior y 6 subdivisiones integradas en un hexágono inscrito en la circunferencia interior. Tuvimos que hacer 50 piezas exactamente iguales de una figura geométrica y cada una de ellas tuvo que ser pintada con base al círculo cromático. Después se tuvo que elaborar una escultura tridimensional con las 50 piezas.

Escogí los colores azul, amarillo y rojo por el contraste que forman pues (aunque no son exactamente los tonos) son los colores primarios.

La figura representa el nacimiento, y de manera particular, el nacimiento de una desición. Este tema fue elegido por mi debido a que me encuentro en una situación donde debo de tomar muchas decisiones. La base de la figura presenta a los cuadros puestos de manera diagonal por lo que se ven algo inestables y a la vez pareciera que están salpicando y que algo está brotando. Esto representa cuando apenas debes de tomar la desiciónes y te encuentras con muchas opciones por lo que llegas a un punto de confusión. Cada pieza representa una opción. Conforme va creciendo los cuadros se van enderezando y cada vez son menos mientras la escultura crece, esto significando que después de considerar las opciones presentes te vas encaminando y desechando varias, quedandote con pocas. Al último, en la punta, se encuentra sólo una pieza, la opción final elegida donde la decisión ha sido tomada. Dentro de todo esto se encuentra el juego de colores, donde cada cara de la pieza es de un color diferente a la otra, representando el lado positivo y el negativo de cada opción.

El proceso de elaboración fue un poco complicado debido al cuidado que se debió tener al pintar los cuadros y posteriormente al ensamblarlos pues la pintura tendía a levantarse. A pesar de esto, creo que se llegó a un buen resultado pues la escultura, para mí, presenta estética y armonía.

Casa Ortiz - Enrique Nafarrate Mexía

Este ejercicio llamado "La forma, señalética" consiste en diseñar una señal informativa urbana de un edificio asignado. El diseño de dicha señal se realizará por medio de la abstracción, respetando la esencia visual de la imagen. Como se puede apreciar me tocó la Casa Ortiz diseñada por el arquitecto Enrique Nafarrate. Mi diseño se basó en la interpretación de la casa tomando como característica principal su horizontalidad y su patrón de cuadros de celasías que se ve interrumpido por uno en el que se encuentra una maceta, por lo que destaca a simple vista.

A continuación un poco de información sobre el arquitecto y sobre esta casa.

ENRIQUE NAFARRATE MEXÍA

Enrique Nafarrate Mexía, nacido el 2 de julio de 1930 en la ciudad de México, es sin duda uno de los arquitectos más importantes de Guadalajara desde mediados del siglo XX. Obtuvo el título de Arquitecto en 1958 por la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Guadalajara y el grado de Doctor Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid, España, en 1977.
Con proyectos en distintos estados y ciudades como Jalisco, Baja California Sur, ciudad de México, Guanajuato, Toluca, Guanajuato y hasta en Madrid, España, Enrique Nafarrate es reconocido por la organización, fundación y dirección de la Escuela de Arquitectura del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente en 1963.
Este arquitecto se caracteriza por la importancia que le otorga a la relación entre el espacio interior y el exterior, la simetría sugerida, el empleo de elementos constructivos que tamizan la luz y las visuales, la correspondencia entre la estructura y el diseño, la utilización de materiales regionales y la composición armónica entre los elementos de cierre y apertura.
Nafarrate tiene dos libros editados: Influencia de la arquitectura de México en la de España, 1996; y Piedra angular de la arquitectura, 1996.
Así mismo, ingresó a la Academia Nacional de Arquitectura en 1980 y el obtuvo el nombramiento de Académico Emérito de la propia Academia en 1984.
Después de cincuenta años de ejercer la profesión de arquitecto, Nafarrate sigue aventurándose en la búsqueda de nuevas formas que permitan resolver los problemas planteados, sostiene que los adelantos tecnológicos motivan también cambios en la forma arquitectónica y que la globalización facilita eliminar y conectar culturas, sin que ello signifique la pérdida de las culturas particulares.

CASA ORTIZ PARRA

Fecha de construcción: 1957-1958
Ubicación: Diagonal Hernán Cortés Nº 2896. Guadalajara, Jalisco, México.
Propietario: Fernando Ortiz Parra.
Tipo de construcción: Vivienda unifamiliar para padres y cinco hijos. La superficie construida es, aproximadamente, 520 m2, sobre terreno plano y en esquina.

En la sencillez formal de este casa habitación está la singularidad, compuesta básicamente por tres elementos constructivos: la cubierta, la celosía de ladrillo de azotea y el muro perimetral de piedra braza, los que en sentido descendente dan la impresión de ser cada vez más pesados y estar mejor anclados al suelo.
Con las celosías de tableta de barro Nafarrate estableció de manera formal una peculiaridad en sus primeras obras, incluida su propia casa habitación. Posteriormente este elemento será uno de los más característicos de la arquitectura producida en Guadalajara en estos años.
La proyección de la cubierta plana hacia el jardín le otorga ligereza a la construcción, acentuada por los amplios vanos; la celosía envuelve todo el contorno exterior de la vivienda y permite un envidiable manejo de la luz y de las visuales desde el interior, a la vez que privacidad; y finalmente el muro perimetral termina por delimitar poderosamente la propiedad. Los recintos interiores están dispuestos según una secuencia que va desde los espacios colectivos, en la parte delantera, hasta los privados al fondo del lote, tanto en el primer nivel como en el segundo.

BIBLIOGRAFÍA:

Monografías de Arquitectos del siglo XX- Enrique Nafarrate Mexía
Alfredo Varela Torres y Estrellita García Fernández

http://www.jalisco.gob.mx/boletinescultura.nsf/73e6d86b577dfe1c862565690062c8f9/cebe4905725389fb062572870072afad?OpenDocument

Punto y línea

AMOR

Este trabajo consiste en expresar por medio de dos composiciones, dos sentimientos o emociones, usando solamente el punto y la línea. Usando los colores blanco y negro, se debía crear dos láminas que de manera abstracta se representara dos sentimientos de tu elección, podía ser el mismo en ambas, o en una expresar una emoción y en la segunda representar la contraria.

En mi caso escogí el sentimiento del amor en ambas, ¿por qué? Porque me llamó mucho la atención cuando se dijo: ¿Qué es el amor? ¿Es solamente un abrazo o un beso? Y fue eso lo que me llevó a realizar estas dos composiciones.

La hecha con puntos representa los dos puntos mayores en las esquinas que para llegar al centro y poder estar juntos, deben superar toda una serie de obstáculos que se les presenta.

En la realizada con líneas se muestran dos flechas que se encuentran juntas, una señalando la otra y a contracorriente, es decir, se pueden ver toda una serie de líneas que "viajan" de manera vertical y las flechas, sin importarle esto, se encuentran de forma horizontal, todo por estar juntas.

Esto para mi representa una pequeña parte de mi concepto del amor, pues el amor no es fácil y muchas veces se tiene que superar toda una serie de obstáculos para poder lograrlo.

Abecedario Fotográfico

Abecedario Fotográfico

Este abecedario fotográfico fue parte de una tarea de Fundamentos del Diseño que consistía en tomar fotos a edificios, estructuras u objetos que tomaran forma de una letra. Las fotos no podían ser alteradas por ningún programa ni podían ser rotadas o modificadas. Al principio fue un poco complicado "ver" las letras en los objetos, había algunas que eran más fáciles como la /X/, la /O/, la /T/, entre otras, pero había algunas que eran más difíciles visualizar, como la /G/ o la /Ñ/. Como dije, al principio la dificultad era mayor, pero conforme la búsqueda continuaba la práctica crecía así como la facilidad de encontrar las letras. Al final se encontraban letras de más pues se había desarrollado ya una verdadera habilidad para ver letras por todos lados.

Las letras que son de mi preferencia fueron la /L/, la /Ñ/, la /V/ y la /Z/. La /L/ por el juego con la sombra del objeto para formar la letra; la /Ñ/ por la casualidad de poder encontrar la forma tan parecida; la /V/ por la textura que muestra el piso y la /Z/ por el juego del enfoque para lograr que los tubos entrelazados logran aparentar ser la letra.

Esta actividad aunque al principio fue algo tediosa y aparentaba ser difícil terminó siendo una tarea con buenos resultados.

black & white edition

Restauración Tardía

Restauración Tardía

No es un edificio histórico ni una estructura trascendental, es sólo un conjunto de viejos departamentos que probablemente guarden una vieja historia. Con paredes despintadas y un poco maltratadas junto con un balcón con puertas rotas y sin usar, esta imagen captura el propósito de algún día restaurar esta pequeña parte de Guadalajara, que sin ser un foco de interés público guarda un poco de la esencia rústica de esta bella ciudad.

Categoría: Revitalización Urbana.

Sector Hidalgo

Sector Hidalgo

El centro de Guadalajara se caracteriza por sus estructuras históricas que datan de muchos años atrás. Es una zona turística y representativa de esta ciudad que en realidad muchos residentes no conocen ni transitan. En la fotografía se puede apreciar la antigüedad y deterioro de una de las tantas estructuras representativas, y que gracias al ángulo en que fue tomada la imagen, el edificio logra guardar parte de su identidad mientras está siendo restaurado para seguir viviendo durante muchos años más.

Categoría: Uniones Tradicionales

Mosaicos rotos

Mosaicos Rotos

Esta fotografía captura tanto la antigüedad como la variedad de colores que tiene la ciudad de Guadalajara. Es una imagen sencilla que muestra una de las muchas banquetas porlas que pasamos caminando todos los días sin pretar atención a su forma o color. Se puede apreciar el contraste de colores, la tetura y el uso de estos mosaicos que una vez fueron nuevos y brillosos dándole vida a la ciudad y que ahora son sólo un pedazo de camino más por donde andar con prisa sin mirar abajo.

Categoría: Revitalización Urbana